El Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes Ñande (Tr.Gu: Nuestro) MAC recibió de los maestros de artes visuales: Eduardo Médici, Jorge Diciervo, Inés Vega, Hugo Sbernini, Mónica Girón, Mirta Kupferminc, Alicia Porcel de Peralta, Alberto Lastreto, Ana Lizaso, Osvaldo Jalil, Julio Paz, Matilde Marín, Marta Perez Temperley, Marcelo Mayorga y Pedro Tyler, confirmación de nuevas donaciones a su acervo fundacional.
Estas nuevas confirmaciones se suman a las ya anunciadas en el transcurso de este año, 2020, por los maestros de artes visuales Octavio Seguí, Graciela Zar, Germán Wendel, Nuna Mangiante, Silvana Blasbalg, Jorge Sarsale, Gabriela Aberastury, Norma Bessouet, María Ester Joao, Nora Aslan, María Silvia Corcuera Terán, Gloria Priotti, Daniel Zelaya, Juan Sergio “Pitico” Vulliez y Guillermo Mac Loughlin. Las obras, indicó Niveiro, se encuentran en los talleres de los maestros citados en distintos puntos del país, en Uruguay y en Europa.
Nuevas obras para el Museo de Arte Contemporáneo de CorrientesÑande Mac
Las obras serán definitivamente incorporadas al acervo fundacional del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes Ñande MAC una vez que la institución vuelva a su funcionamiento habitual, en la actualidad, sujeto a la adopción de las nuevas estrategias de prevención ejecutadas para contener la pandemia de Covid-19 que envuelve a todo el mundo, como se solicitó a las instituciones dedicadas a la cultura que trabajan dentro y fuera del territorio argentino el 19 de marzo pasado, precisó.
Niveiro dijo que además inició conversaciones para incorporar otras dos obras al acervo de Ñande MAC, una donada por la artista Lucía Carotenuto y otra del maestro en artes visuales rosarino Leónidas Gambartes, y recordó que el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes se prepara con fecha a confirmar para abrir otras dos grandes exposiciones, una en el Museo de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, en Córdoba, y otra en el Museo “Dr. Juan Ramón Vidal”, en Corrientes. En ambas, se anunciarán nuevas incorporaciones de artistas comprometidos con Ñande MAC, afirmó.
Niveiro recordó que las ya casi doscientas obras que integran el acervo fundacional de Ñande MAC serán transferidas al acervo patrimonial y artístico de la Provincia de Corrientes y expuestas a consulta del público permanentemente una vez que el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes sea asignado a un edificio permanente. Hasta tanto continuará ofreciendo novedades sobre los avances que la institución registre en torno a los salones que prepara para exponer las donaciones que recibe.
El artista visual, curador y coleccionista, agradeció el apoyo de todos los y las artistas y grandes maestros y maestras que, con gran generosidad, apoyan con obras la conformación del acervo fundacional del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes Ñande MAC y destacó su gran dedicación en la labor que día a día entregan a su arte con miras al desarrollo de la cultura y de las artes visuales. Niveiro también destacó el apoyo que las instituciones académicas y gubernamentales manifiestan permanentemente en torno a Ñande MAC y su colaboración hacia el cumplimiento de su objetivo de visibilizar al arte contemporáneo y a sus protagonistas.
Los artistas
EDUARDO MÉDICI
Eduardo Médici es un artista visual nacido en 1949, en Buenos Aires, Licenciado en Psicología, maestro en dibujo y pintura, discípulo de Anselmo Píccoli, en cuya obra, a través de reflexiones en torno a cuerpo humano, formula una perspectiva profunda sobre la vida, la muerte y las miserias humanas.
Entre 1979 y 1980, Médici desarrolla su obra en torno a una profunda crítica hacia los convencionalismos, a los expresa con figuración esquemática a través de personajes prisioneros de su vestimenta en la serie “De saco y corbata”. A partir de 80, luego de viajar a México y Guatemala, incorpora a su obra manifestaciones culturales antiguas sobre la muerte de acuerdo a como se la observa en tradiciones populares aún vigentes. Entre 1982 y 1983, su obra deriva en formas abstractas y con mayor gestualidad y uso del color, para luego, entre números, letras y cruces, volver sobre la forma humana, hacia seres y objetos en estado de transición o en formación inacabada, con cuerpos desnudos, altos y delgados, que muestran al hombre en la posibilidad de la muerte.
En “Yo dividido”, 1990, incorpora la palabra escrita con una cita de Discépolo. Luego hará lo mismo con radiografías, fotocopias, transferencias y negativos fotográficos, para representar el “drama humano” y su tensión entre el recuerdo y el olvido.
A lo largo de sus desarrollos, Eduardo Médici recibió numerosas distinciones, entre ellas: Mención de honor “VIII Bienal de Maldonado”, Primer Premio “Revista Cultura” (1987); Premio Jóvenes Artistas a la Trayectoria, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (1990); Mención del Jurado “Premio Siemens” (1992); Beca Miró (1993); Segundo Premio Sección Pintura del “Salón Manuel Belgrano” (1994); Primer Premio “Banco Mayorista del Plata” (1995); Premio Arlequín, otorgado por la Fundación Pettoruti (1997).
Médici presentó más de una docena de exposiciones individuales, entre las cuales las más destacadas fueron “Malos Tiempos”, (Buenos Aires, 2019), “Paraísos perdidos”, Diana Lowenstein Fine Arts (Buenos Aires, 2000); María Schneider Gallery (Chicago, 2000); Museo de Arte Moderno (Mendoza, 2000); “Pintura-20 años”, Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 1999); “Resumen 90-98”, Centro Cultural Bernardino Rivadavia (Rosario, 1998); Museo Blanes (Montevideo, 1997); Sicardi-Sanders Gallery (Houston, 1997).
Médici participó de más de treinta exhibiciones colectivas realizadas en Buenos Aires, La Plata, Córdoba, Santa Fe, Bahía Blanca, Mendoza; Santiago de Chile, Valparaíso; La Paz; San Pablo, Río de Janeiro; La Habana; Caracas; Santa Fe de Bogotá, Cali; Cuenca, Quito; Guatemala; Guadalajara, Ciudad de México; Madrid; Miami, Chicago, Washington, Los Ángeles, Nueva York, San Francisco; Londres; Sicilia; París.
Sus obras pueden apreciarse en colecciones oficiales y privadas en Buenos Aires, Santa Fe, Maldonado, Río de Janeiro, San Pablo y Skopje.
JORGE DICIERVO
Jorge Diciervo nació el 14 de diciembre de 1947 en Chivilcoy, Buenos Aires. Es autodidacta. Su primera muestra individual se llevó a cabo en 1974.
En Diciervo, pinturas, collages, dibujos y objetos romboides, rectangulares, circulares, cuadrados y cónicos, forman una arquitectura de cuerpos fantásticos, constructivos y metafísicos en una intensa búsqueda de equilibrio.
Jorge Diciervo ha sido galardonado con el Segundo Premio “Bracque” (1980), el Premio “Francisco Romero” del Fondo Nacional de las Artes (1983), el Segundo Premio del Salón de Santa Fe (1987), “Mención” en el Premio GABUS del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1991), el Segundo Premio Bienal Chandon de Pintura, (1989), la Beca “Pollock-Krasner” Foundation de Nueva York (1993), el LXXII Segundo Premio del Salón Anual de Santa Fe, (1994), el Premio Banco Provincia de Buenos Aires, (1996), el Premio Adquisición “Trabucco” de la Academia Nacional de Bellas Artes (1996), el Premio VI Bienal Chandon de Pintura “Master Saloon”, (1997), el Premio “Fortabat” del Museo Nacional de Bellas Artes (1999), el “Premio Aerolíneas Argentinas”, (2000), el Premio UADE, (2007) y el Premio Banco Central de la República Argentina, (2007), entre otros.
En 2003, Diciervo realizó una exposición titulada “Retrospectiva “30 años, El azar regulado” en el Centro Cultural Recoleta, en la ciudad de Buenos Aires, en la cual también presentó el libro “Diciervo”, de Guillermo Whitelow. En 2012 publicó el libro “Collages”.
Diciervo ha realizado más de 50 exposiciones individuales en América Latina y Europa, entre ellos en Arthus Gallery, Bruselas, (2004), Galería Van Eyck. (2004) (2010), Palatina Gallery (2008), Canvas Gallery, San Pablo, Brasil, (2013), Paseo de las Artes palacio Duhau, Park Hyatt. (2013/4) (2019) Galería de cauchos (2013), The Lily Pad Gallery, Milwaukee, EE. UU. (2018/19)
Algunos de sus trabajos se pueden apreciar en el Museo Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de Buenos Aires, en el Museo Rosa Galisteo, en la Provincia de Santa Fe, en el Museo de Arte Moderno de Rosario, al igual que en colecciones en Argentina, Brasil, Chile, Italia, Francia, Bélgica, Estados Unidos y Suiza.
INÉS VEGA
Inés Vega nació el 23 de marzo de 1950. Es maestra nacional de artes visuales egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y Profesora nacional de Dibujo y Pintura recibida en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (1969) donde luego fue Profesora de dibujo (1985-89). Vivió en Madrid en 1985 y 1986, y en París entre 1989 y 1996.
Vega expuso en Feria Arco, Madrid, España, (1986), Galería Ática (1986, 1988), Moss Gallery, San Francisco, EE.UU. (1989), Galería Strouk, París, Francia, (1991), Gallery Felix Valk, Arnhem, Holanda, (1994), Alvear de Zurbarán (1996), Fondo Nacional de las Artes (PK), Centro Cultural Recoleta, (1999).
Fue galardonada con el Segundo Premio II Bienal Môet Chandon, Museo de Arte Moderno, (1989), el Segundo Premio Fundación Fortabat, Museo Nacional de Bellas Artes (1999), el Primer Premio Salón Manuel Belgrano de Dibujo, Museo Eduardo Sívori, (2001), el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Dibujo (Salas Nacionales, 2003).
Su obra puede apreciarse en colecciones privadas de Argentina, España, USA, Francia y Holanda y colecciones públicas como Museo Nacional de Bellas Artes, Donación Fundación “Antorchas” y el Museo de Arte Hispano y Latinoamericano, Miami, USA.
HUGO SBERNINI
Hugo Sbernini nació en Buenos Aires en 1942. Murió en abril de 2019. Dibujante y pintor, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Pridiliano Pueyrredón” y “Manuel Belgrano”. Sus obras se caracterizan por presentar una mirada fragmentada. En Sbernini los objetos parecen haber sufrido algún tipo de mutilación. En su obra se percibe el todo por medio de la unión de las diferentes partes. Sus figuras parecen suspendidas en un espacio indeterminado en el que el tiempo se ha detenido.
Luego de su primera exposición individual en 1964, en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, en Buenos Aires-, realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina y el extranjero, entre otros lugares en Bordeaux, San Francisco, Lima, Madrid y París.
Entre los premios que obtuvo, están el Primer Premio en Pintura en el LXX Salón Nacional de Artes Plásticas de Buenos Aires (1981), el Primer Premio en la 1ª Bienal de Pintura Moet Chandon del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1987) y el Gran Premio de Arte Contemporáneo de Montecarlo (1995).
En 1968 fue reconocido con el Primer Premio Salón M.E.E.B.A en la categoría Pintura; dos años más tarde, obtuvo el Premio Pío Collivadino del LIX Salón Nacional. En 1973 obtuvo el Gran Premio Pintura del Salón Municipal de Artes Plásticas.
Sbernini obtuvo el Primer Premio Marcelo de Ridder otorgado por el Museo Nacional de Bellas Artes en 1975. En 1981 fue distinguido con el Primer Premio en la categoría pintura en el LXX Salón Nacional de Artes Plásticas. Seis años después obtuvo el Primer Premio de la Bienal de Pintura Moet Chandon celebrada en Museo de Arte Moderno Buenos Aires. En 1995 obtuvo el Gran Premio de Arte Contemporáneo de Montecarlo, Mónaco
MÓNICA GIRÓN
Mónica Girón nació en 1959, en Bariloche. Entre 1977 y 1978 cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires. En 1984 obtuvo el Diploma en “Expresión tridimensional y conocimiento del arte” en la École Supérieure d’Art Visuel, en Ginebra, Suiza.
En 1994 presentó “Ajuar para un conquistador” en la V Bienal de La Habana, obra que fue adquirida por el Museo Ludwig de Aachen, Luego integra exposiciones en el Museum of Modern Art, Oxford, Inglaterra, (1994), Casa de la Cultura, General Roca, Argentina, (1995) y en The Kemper Museum of Contemporary Art and Desing, Kansas, Estados Unidos, (1996)
Entre las numerosas exposiciones individuales que ha presentado, se destacan “Reconciliación”, Galería Van Riel, Buenos Aires, (2007), “Ósmosis intelectual y Reconciliación”, Galería dpm, Guayaquil, (2006), “Nacer igual”, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, (2002) y “Obrador y Corner Pieces”, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, (1999).
Girón también ha integrado exposiciones colectivas nacionales e internacionales, entre ellas, Turbulence, 3rd Auckland Triennial, Nueva Zelanda, (2007), “Memoria en construcción”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, (2006), “El estrecho dudoso”, San José, Costa Rica, (2006) y “Entre líneas”, Casa Encendida, Madrid, (2002).
Además, formó parte de la Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, (2006), la II Bienal de Mercosur, Porto Alegre, (1997) y de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, Praga, (2005), entre otras.
En 1999 obtuvo el primer premio del concurso de la Fundación Nuevo Mundo en el Museo Nacional de Bellas Artes. En 1993 fue galardonada con el segundo premio del concurso del Deutsche Bank en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Girón también ha participado en el programa de las Becas Iaspis, Estocolmo, (2005) y de la Beca Barracas, Buenos Aires, (1994-1995).
En Girón, a través de instalaciones, acuarelas, dibujos, objetos y proyectos site, el paisaje es campo de metáforas, un cuerpo abierto a la ética, la moral y la sensibilidad atenta a la capacidad de las formas en la arquitectura y el arte.
Girón vive y trabaja en Buenos Aires desde 1985. Da clases en su taller y dirige seminarios entre los que destacan los dictados en la Academia de Arte de Helksinki (2007), en la Academia de Arte de Bergen, Noruega, (1997 a 2007), en el taller de arte de Ruth Viegener, Bariloche, (1992 a 2001), y en la Fundación Antorchas y su programa de Becas para las provincias, Posadas, Misiones, (1999)
MIRTA KUPFERMINC
Kupferminc es una artista multidisciplinaria, conferencista y docente que vive y trabaja en Buenos Aires y que muestra su arte internacionalmente en exposiciones individuales en galerías y en museos. Desde 1977 a hoy lleva realizadas más de 90 exposiciones individuales.
La obra de Kupferminc se graba en una línea de producción contemporánea muy precisa, una línea que retoma la habilidad antigua y virtuosa del arte que se sumerge en narrativas universales, aborda la vida social y se convierte en un agente de historia y memoria.
Kupferminc comúnmente representa a Argentina en bienales internacionales. A lo largo de su carrera ha recibido múltiples premios y reconocimientos. Fue elegida para construir el monumento en memoria de las víctimas del ataque terrorista de la Comunidad Judía AMIA en Buenos Aires en 1994 – (Memoria Activa).
Otra característica distintiva de su obra es la permanente indagación en su historia familiar y en la cultura judía con el objetivo de extraer de ellas metáforas que van más allá de las peculiaridades de la experiencia individual.
Kupferminc es impulsada por una visión humanista, a través de la cual celebra la habilidad del arte para superar contingencias y proyectarse a sí mismo con intensidad ecuménica, motivo por el cual su obra es atraída por temas intensos como la identidad, la literatura, las migraciones, los derechos humanos y la memoria.
Kupferminc ha mostrado su arte en Shanghai, Suiza, España, Taiwán, Japón, Hong Kong, Alemania, Cuba, Brasil, Israel, Estados Unidos, Polonia, Francia, Hungría y en Inglaterra, entre otros lugares del mundo.
Sus obras se pueden apreciarse en el Museo de la Colección de Arte Contemporáneo, en Jerusalén-Israel- dentro del Museo de Bellas Artes, en Taipei dentro del Museo de Bellas Artes, en el Museo de Taichung-Taiwán-Ralli, dentro del Museo del Holocausto de Uruguay, en Budapest, Hungría, en la Universidad de Maryland, en la Biblioteca del Congreso, en Washington DC, en la Biblioteca Golda Meir, en Winsconsin University, en Milwauke, en el HUC Museum, en Nueva York, Manhattan, en el Southern Graphic Council Collection, EE.UU.
Kupferminc vive y trabaja en Buenos Aires donde dirige su propio estudio y es mentora de otros artistas, punto desde el cual en 2015 lanzó Laba-BA: un laboratorio para la cultura judía en Buenos Aires junto con Laba en la 14th St Y NYC.
ALICIA PORCEL DE PERALTA
Alicia Porcel de Peralta nació en 1959 en Córdoba, Argentina y desde 2004 vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.
Su obra se expresa en pintura, cine, video, instalaciones y escultura, en sus últimos trabajos, esculturas de porcelana frágil intervenida, espejos y acrílicos en los que engloba el yeso líquido como tercer elemento.
En Porcel de Peralta, el arte es una búsqueda continua, la construcción de una imagen y de su reflejo, en la cual la asimetría de lo imperfecto se afirma, una construcción de lo imposible. Sus producciones fotográficas provienen de actuaciones e instalaciones. En ellas, temáticas como la de la violencia se expresan desde el espacio doméstico. Para Peralta, el arte es pensar en “cómo vemos” y “qué nos toca”; es “creer en nosotros mismos y comprender en qué nos hemos convertido” y “en lo que hemos creado”.
Su obra ha sido expuesta en Nueva York, México y Argentina, y puede apreciarse en museos y colecciones privadas, como en la Sindicatura Gral. de La Nación, en Argentina, y The Olsson Art Collection, en Suecia, Malta.
Algunas de sus primeras exposiciones fueron Visiones Electroacústicas, Ex-Esc. Olmos, Córdoba, (1987); Confutatis, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, El año de la Tortuga, Instituto Goethe Córdoba, (1988); Retrato de Artistas , Galería Jaime Conci, Córdoba, (1991); El último día de Libertad, Museo E. Caraffa, El último día de libertad, 500 de Resistencia, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Espectáculo Vistas latinas , Galería Stony Brook Union, Nueva York, EE. UU., Interior de Argentina, Galería del Cerro, Chile, (1992); Retratos de Artistas , Galería Jaime Conci, espectáculo Vistas Latinas , Galería Porter Butts, Wisconsin, EE. UU., Pintura Mediterránea , Museo de Arte Contemporáneo, Panamá, Interior de Argentina, Consulado General de Argentina, Nueva York, EE. UU., Espectáculo Vistas Latinas , Goddard-Riverside Community Center (Nueva York, EE.UU., (1993); Espacio Ecuménico, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, XX Congreso Internacional de Crítica, CAYC, Buenos Aires, En Tránsito, Cáceres-Porcel de Peralta, Galería Espacio Giesso, Mujeres y Arte , Boricua College, Nueva York, EE. UU., (1994); Artistas contemporáneos latinoamericanos, Museo de Arte Housatonic, Nueva York, Estados Unidos, (1996); Artistas Argentinos Contemporáneos , Centro de Arte Contemporáneo Simón I. Patiño, La Paz, Bolivia, (1997); Trabajos sobre papel, Museo Genaro Pérez, (1998),
A todas ellas seguirán Artistas contemporáneos latinoamericanos , The Olsson Art Collection, Suecia, (2005); Postales de Argentinas, Congreso Internacional sobre Prevención de la Violencia contra la Mujer, Universidad de Córdoba, Córdoba, Proyecto La violencia no es sutil , Dirección Gral. de la Mujer, Buenos Aires, (2007); Postales de Argentinas , Teatro Archibrazo, Buenos Aires, Castillo de Frösundavik, Estocolmo, Suecia, Primer Congreso Internacional sobre Violencia , La Salle, Buenos Aires, (2009); ¿Cómo ves el Futuro? , FASE2, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, (2010); Ocúltame, ¿en dónde?, Space MULTIARTE, SIGEN, Buenos Aires, (2011); Miniaturas Asimétricas, La Cúpula, Laboratorio de experiencias visuales y musicales, Córdoba, (2012), entre otras.
ALBERTO LASTRETO
Alberto Lastreto es un artista visual, maestro en dibujo y grabado, nacido 1951 en Buenos Aires. Lastreto creció y se educó en Montevideo, Uruguay. Estudió Arquitectura en la Universidad de la República. En 1973 fue expulsado del Uruguay y vivió en Buenos Aires hasta 1975.
Estudió Estética e Historia del Arte entre 1975 y 1980 en la Universidad de La Habana, Cuba. Residió en New York, Estados Unidos, desde 1980 hasta el 2006 año en el que volvió a Montevideo, donde reside actualmente.
En 2006, al volver a Uruguay, según sus propias palabras, Lastreto tuvo que re-aprender el país, y la forma de hacerlo fue a través de las herramientas del Arte.
En 2008 recibió el Primer Premio del 53º Premio Nacional de Artes Visuales “Hugo Nantes” con la obra “El Prócer”. Para crearla Lastreto manipuló digitalmente con “stop motion” una fotografía tomada en Nueva York, Estados Unidos, en una serie de fotogramas para conformar encuadre por encuadre un video. Este proyecto es parte de una estrategia presentada después de treinta años de exilio en Nueva York, para comprender la nueva realidad uruguaya.
En Lastreto, la figura de El Prócer es “la excusa” para abrir interrogantes; la obra no trata de algún héroe en particular, habla sobre las posibilidades de hacer arte con condiciones tecnológicas adversas. Esta obra, además, fue seleccionada para ser expuesta en la 8ª Bienal del Mercosur en Porto Alegre, Brasil en 2011.
Lastreto, participó activamente en la vida artística uruguaya. Expuso en el Centro Cultural de España en Montevideo en 2010 el video “Aldea global” y en la muestra colectiva “Futuro Natural”, en 2011, en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo. Ha participado en varias Bienales: Mercosur, Porto Alegre, Brasil, la Bienal de Panamá, Bienal de Salto Uruguay, Bienal de Montevideo. Sus obras se encuentran en diferentes colecciones, nacionales e internacionales.
Además, ha expuesto en Francia, Italia e India.
OSVALDO JALIL
Osvaldo Jalil nació en el Abasto, Ciudad de Buenos Aires el 15 de marzo de 1950. Estudió Dibujo y Pintura con Demetrio Urruchúa y Juan López Taetzel; Grabado con Carlos Demestre; Litografía con José Contino en El Taller Experimental de Gráfica de La Habana, Cuba; Pintura al fresco con Carlos González; Concurrió a los talleres de MEEBA (Mutual Estudiantes y Egresados de Bellas Artes.
Ejerció la docencia en su atelier desde 1982. Actuó como Jurado en diversos salones del país. Dictó el Seminarios en la Escuela de Bellas Arte Martín Malharo de Mar del Plata. En 2000, fue Asesor Honorario de la Bienal Domecq de México. Realiza veinte exposiciones individuales entre otras: Galería Futuro Infinito, São Paulo, Brasil; Museo de Artes Plásticas” Pompeo Boggio”, Chivilcoy, Buenos Aires; Galería Hoy en el Arte, Buenos Aires; Museo Municipal de Bellas Artes” Lucas Braulio Areco”, Posadas, Misiones; Galería Altos de Sarmiento.
Compartió ciento veinticinco exposiciones colectivas nacionales e internacionales, entre ellas: Golpe al 24 Facultad de Filosofía y Letras; “Ex – Libris una pasión” colección de Mario de Filippis Centro Cultural San Ángel, D.F., México; 20 Años Después, Artistas Plásticos Contra el Olvido y la Impunidad, Centro Cultural Recoleta; Estampas Argentinas, Diputación Provincial y Museo de Huelva, España.
Jalil participó en salones nacionales e internacionales y obtiene varias distinciones entre ellos, International Print Exchange Association in Japan, Tokyo, Japón; XLV Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano, Premio Único Adquisición, Apartado Monocopia; XXXIV Salón Nacional de Grabado y Dibujo, Sección Grabado, Segundo Premio; XXIII Salón Nacional de Grabado Y Dibujo, Sección Grabado, Tercer Premio; Salón Leopoldo Marechal; Premio Fundación Banco de la Ciudad de Buenos Aires; XXXI Salón Nacional de Grabado y Dibujo, Premio Único Técnicas Gráficas Experimentales; V Festival del Color Benito Quinquela Martín, Segundo Premio; VII Salón Anual Nacional de Grabado de la Fundación Banco Caseros, Primer Premio; 2nd Egyptian International Print Triennale 1997, Egipto; Instituto Cultural Domecq, A.C., México, Mención Honorífica; XII Premio Internacional de Grabado Máximo Ramos, Mención de Honor; etc
Entre otras actividades edita la revista 5+1 Arte, y es miembro fundador de Xylon Argentina, Sociedad de Grabadores.
Poseen obras de Jalil el Museo de Arte “Eduardo Minnicelli” de Río Gallegos, Santa Cruz; Museo Municipal de bellas Artes Lucas Braulio Areco, Posadas, Misiones; Museo Nacional del Grabado; Museo Provincial de Bellas Artes Emiliano Guiñazu de Mendoza; Museo de Bellas Artes de Gral. San Martín; Museo de la Xilografía de La Plata; Galería de Arte Universal de Santiago de Cuba; The Tallin Art University de Estonia; Taller Experimental de Gráfica de La Habana; Museo Sívori de Buenos Aires y The Universal Graphic Museum (Egipto); Association Du Musée de L’art Contemporain, Chamaliéres, Francia; Atelier de Gravure Les Amis des Arts, Francia; Associação de Gravura da Amadora, Portugal.
JULIO PAZ
Julio Paz fue un maestro en grabado que nació en la localidad de Avellaneda en el año 1939 y murió el 5 de febrero de 2010 a los 71 años en Milán.
Julio Paz residió en Quilmes desde 1949 hasta 1976. Vivió 37 años en Argentina para instalarse en Europa, con motivo de su exilio, a partir de 1976, año en que partió al exilio después de haber sido amenazado de muerte en su lugar de trabajo, la Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel, de la ciudad Quilmes.
Paz fue diseñador gráfico, dibujante, grabador y pintor. Su obra recibió innumerables premios nacionales e internacionales, entre ellos, el Salón Internacional de Grabado de Biella, Italia, en 1992: VIII Internacional de Arte Gráfico en Berlín, República Democrática Alemana, en 1987; Medalla de Honor en la IV Exhibición Internacional de Arte Gráfico en Lodz, Polonia, en 1985; Premio Internacional de Grabado, en Japón, en 1885. .
Su obra transmite la búsqueda quimérica de los sueños incumplidos del humanismo latinoamericano. Fiel a su época, registra hechos crudos sin ceñirse a un anecdotario cronológico, desde dentro de problemas que plantea con una crítica sutil a la insensibilidad y el individualismo. En Paz, el color es un elemento virtuoso, objeto de esperanza y calidez.
La literatura fue uno de los ríos que alimentó su trabajo artístico, desde la serie de “Los inventos” donde recreaba los más vulgares objetos de nuestra cotidianeidad, como un Verne sudamericano, hasta sus retratos de Onetti, con quien compartió una larga noche en Montevideo y Cortázar, a quien conoció en el exilio.
El Luna Park, Gardel, los pugilistas, los circos sin nombre, las Madres de Plaza de Mayo, sus alusiones a Quilmes y Bernal, los lugares en los que fue feliz, aparecen en su obra una y otra vez, como si nunca hubiera partido definitivamente del país que lo expulsó y no supo, todavía, recuperarlo.
Julio Paz era hermano de Hilda Paz reconocida artista plástica y profesora de la Escuela de Bellas Artes Carlos Morel.
La última gran muestra antológica, de Paz fue “La mano que…”, exposición presentada en el Palazzo Reale de Milán, en mayo de 2008, en coincidencia con la celebración de la Semana Argentina en Milán.
Paz expuso en museos y galerías, entre ellos, el Museo Municipal de Artes Visuales de Santa Fe; Museo Provincial de Bellas Artes de Tucumán; Museo Municipal de Artes Visuales de Quilmes; Langsam Gallery, de Armidale, Australia; Galería Arte Vigente, Caracas, Venezuela; Academia de Bellas Artes, de Brera, Milán; Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Bs. As., Argentina; Café Paz, en Kulturhaus Mitte, Berlín, Alemania; Museo de Historia de la Ciudad de Lodz, Polonia.
En Argentina, poseen obra de Paz los museos de Arte Contemporáneo, de Artes Plásticas Eduardo Sívori, del Grabado, de Arte Moderno, Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires, entre otros.
También pueden apreciarse obras de Julio Paz en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Paz, Bolivia; el Museo de Arte Gráfico Moderno de El Cairo, Egipto; la Biblioteca Nacional de París, Francia; el Museo del Libro y la Escritura de Liepzig, Alemania; Museo del Grabado Latinoamericano de San Juan, Puerto Rico; y instituciones y colecciones privadas.
MATILDE MARÍN
Matilde Marín es una artista visual contemporánea nacida en Buenos Aires, en 1948. Cursó estudios en Zürich, Suiza. Su obra inicia en lo que llamó “La memoria interna del hombre”. Su producción actual está focalizada en el rol del artista como “testigo”, que registra a través de fotografía y video, a partir de relatos sobre el mundo que habita, situaciones que relaciona con el paisaje puro y su alteración natural o artificial.
Marín considera este trabajo un registro social del entorno urbano, concepto que también se encuentra presente en algunas de sus series, como “Bricolage Contemporáneo” producido entre los años 2002 a 2005, proyecto presentado en el MALBA de Bs. As. con el cual muestra la recolección urbana a través de registros fotográficos realizados en distintos puntos de Latinoamérica.
Según sus propias palabras, su obra trata de mostrar lo ausente de lo presente a través del testimonio de un lugar.
Marín ha expuesto en numerosas bienales, proyectos individuales y colectivos.
Algunas de ellas son Iluminaciones, MALBA, Buenos Aires, Argentina; The Nomadic Work of Matilde Marín, School of Arts & Performing Arts, State University of New York; Contradicciones y Convivencias: Artistas de los 80 y 90 en Latinoamérica, Biblioteca Luís Ángel Arango, Bogotá, Colombia; (2005) Making Artists Books Today, Santa Bárbara Museum, California; Never again, San José State University, The Natalie and James Thompson Art Gallery, EEUU.(2006), Too Much Freedom, The Hammer Museum, Los Ángeles, EEUU; (2007); Siete Ríos, MAC, Santiago de Chile. Bricolage Contemporáneo, Ciclo Vivir Nuestra Ciudad, Curador Rodrigo Alonso, Buenos Aires, (2008); De Natura – Zona Alterada, Sala Cronopios, Curadora Mercedes Casanegra, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, (2009), y Realidad y Utopía, Museo Nacional de San Carlos, México DF; Argentina’s Artistic Road to the Present’, Akademie der Künste, Berlín; Itinerarios Visuales, curador Lisbethe Rebollo, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de Sao Paulo, Brasil, (2010).
También ha expuesto Una línea continua, temas sobre el paisaje, MNBA, Neuquén, curadora Laeticia Mello, (2014), Portas Abertas, Fundación Eugenio de Almeida, Évora, Portugal; Proyecto Imaginaria, Festival de Fotografía, Castello, España; Luz do Mundo, Bienal Internacional de Curitiba, Curador Teixeira Coelho, Brasil; (2016), Arqueóloga de sí misma (antológica) Curadora Adriana Almada, Espacio de Arte Fundación OSDE; A Witness to History, Curador Amin Gulgee, Karachi Biennale KB17 Paquistán; Solo Show Photo Lima, Curador Julián Mizrahi; Bienal Internacional SIART, Curador Joaquín, Sánchez La Paz, Bolivia. OVNI Festival d’art, Niza, Francia; Libros de Artistas, curadora Rocío Santa Cruz, Arco, Madrid; (2017).
Su obra, ampliamente estudiada en textos teóricos y críticos, puede apreciarse en el MALBA, Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, el Museo de Arte Contemporáneo de Salta, el Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile, el Museo de Arte Contemporáneo, Sao Paulo, Brasil, el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas, Venezuela, el Museum of the Americas, Washington, USA, el Museo de Arte Moderno, la Academia Nacional de Bellas Artes, la Galería Nacional de Praga, el Museo de la Universidad de Salamanca, España, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España, el Museo Nacional de Bellas Artes (Donación Fundación Antorchas), el Museo Nacional de Bellas Artes, Neuquén, la Fundación arteBA, la Fundación de la Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador, la Fundación Santillana, Madrid, España, la Grafoteca de Berlín, Alemania, la Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, Colombia, y la Colección MACRO, Rosario.
MARTA PEREZ TEMPERLEY
Marta Pérez Témperley es una artista visual nacida en General Cabrera, provincia de Córdoba, dedicada al grabado, especialmente la xilografía.
Egresó como Profesora Nacional de Pintura del Instituto de Artes Visuales “Santa Ana” (Bs.As.), en 1976 como Profesora Nacional de Grabado de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” (Bs. As.), en 1981 como profesora superior de Grabado de la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” (Bs. As.) y en 2001 se le otorga la Especial Preparación en el IUNA.
Realizó numerosos cursos y seminarios, entre los más destacados se encuentran el Curso “Introducción a la escenografía” en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”, el Seminario “Litografía sobre chapa de aluminio”, el en Taller Litográfico Axa con el Profesor Michiko Hoshino, Japón y el Taller de escenografía en el Teatro Colón. (1º año aprobado).
Realiza una constante investigación en su taller particular de técnicas del desarrollo de la expresión, la creatividad y la educación por el arte mientras desarrolla su actividad docente como Profesora de Grabado y asistente técnica.
Perez Témperley posee varias publicaciones en Argentina y en Alemania, tales como “Marta Pérez Témperley, Puertas, Revista Magenta, 2008”; “Marta Pérez Témperley expone en ática Galerìa de Arte, Revista Buenos Aires Cultura, Blas Vidal, 2008”; “Como un larguísimo viaje, La Prensa, A. D. V. 5 de septiembre de 2008”; “Argentinisches Tageblatt, 8 de Noviembre de 1997”; “Arte y Subastas, La Nación, Rafael Squirru, Noviembre de 1997”; “Arte, Valores y Tendencias, Catálogo de Karina Paradiso, Bs. As.”; “Artes Visuales Clarín, “Nostalgias”, Rosa Faccaro, 28 de Diciembre de 1991″; “Buenos Aires Herald, “choo-choo me home”, Alfredo Cernadas Quesada”; “Hoy Arte Hoy, Catálogo de René Steinberg”; “La Nación, “Marta Pérez Témperley nos devela la esquiva belleza de una fábrica”, Albino Dieguez Videla”; “Domspatz – Arte Argentino II”; “F2 Húnfelder 2, Arte Argentino, “Neun Argentinierinnen stellen Grafik in der Kunststation Kleinsassen aus”, Frauenpower aus Súdamerika”; “Heima Journal – Arte Argentino II”; “Lola Mora, Revista de Artes Plásticas, “9 Grabadoras Argentinas en Kleinsassen”, 1998.
Pérez Témperley ha recibido treinta y dos premios nacionales e internacionales, entre ellos los primeros Premios en el XXXV Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano (1990) y en el LXIX Salón de Santa Fe (1992), el Gran Premio de Honor en el XXIX Salón Nacional de Grabado y Dibujo de Buenos Aires (1993), el Premio Mención en la X Bienal de Arte Latinoamericano del Caribe, de San Juan de Puerto Rico, y el 2º premio en la IX Bienal Iberoamericano Domecq de Dibujo y Grabado de México.
En la actualidad, es profesora del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA).
PEDRO TYLER
Pedro Tyler nace en Montevideo, Uruguay en 1975. Estudia en la Universidad Finis Terrae de Santiago de Chile, donde obtiene el título de Licenciado en Artes con Distinción Máxima, Mención Escultura.
Expone individualmente desde el 2003, entre las cuales destacan: 2009 “Cosecharás tu siembra” Galería Isabel Aninat, Santiago de Chile, “Perdido Jardín” M.E.C. Montevideo, Uruguay, “Todo cuenta” Museo de Arte de Tolima, Ibagué, Colombia; 2010 Intervención Patio Galería 980 Bogotá, Colombia; 2011 “Luz Propia” Galería Isabel Aninat, Santiago de Chile, “Proyecto Desvelo” Sala de Arte CCU, Santiago de Chile; 2012 “Not space nor time” Sicardi Gallery, Houston, Texas, “Más que nunca” Galería Del Paseo, Manantiales, Uruguay; 2013 “Paisaje interior” Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina, “La vida entera” Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú; 2014 “Extensa” Galería Isabel Aninat, Santiago de Chile; 2015 “Extensa” Sicardi Gallery, Houston, Texas; 2016 “Rompiendo el sonido”, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.
Su obra es parte de varias colecciones privadas y públicas, entre ellas: Museum of Fine Arts Houston, Houston, U.S.A. Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Colombia. Space Collection, Los Ángeles, U.S.A. Museo de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. Museo Juan Manuel Blanes, Montevideo, Uruguay. Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay. Colección Compañía del Oriente, Montevideo, Uruguay. Fundación CCU, Santiago de Chile. Fundación CA.SA., Santiago de Chile. Colección Galila Barzilai- Hollander, Bélgica.
La obra donada a Ñande MAC pertenece a “100 inviernos”, reglas de acrílico derretidas y moldeadas en formas de ramas de árboles.
“Paradójicamente, con calor derrito el material de estas reglas, para que parezcan como el hielo que en los más crudos inviernos cubre la naturaleza. Las medidas se estiran, contraen y tuercen sin orden, y esta nueva naturaleza no aparece como “naturaleza muerta” sino como una naturaleza en suspenso. Un paisaje congelado en el tiempo”, escribe Tyler sobre su obra.
“La medida del dolor relacionada a una muerte cercana genero un cuerpo de obra desde una preocupación personal; como analizar y razonar sobre la pérdida, el amor y el miedo. Relaciono estos sentimientos a lo que creo es bello: la sutileza de la inestabilidad, como capturar la calma antes de la tormenta. Tratando de capturar esta fragilidad es que altero objetos de la vida diaria para darles un nuevo sentido. Poniendo agua dentro de una lamparita de luz para mí se convierte en una metáfora del cuerpo. Como, gracias a ese frágil límite que es nuestra piel, desarrollamos todos nuestros sentimientos y pensamientos, y como, irónicamente, una regla puede medir ese cuerpo pero no los sentimientos contenidos”, expresa.
Actualmente, vive y trabaja en Santiago de Chile.
ANA LIZASO
Ana Lizaso es una artista visual que reside y trabaja en Buenos Aires por cuyo trabajo ha recibido los premios 3° Premio Adquisición del “Salón Municipal Manuel Belgrano” (1992), el premio Mención del Museo de Arte Moderno (1996), el 2° Premio Salón Nacional (1996), el Premio Mención a la creatividad del Fondo Nacional de las Artes (1999). Lizaso también ha sido invitada en los años 2001, 2004 y 2007 al Premio Trabucco por la Academia Nacional de Bellas Artes.
Entre 1992 y 1993, Lizaso expuso abre su obra a muestras colectivas y premios en Homenaje a Lola Mora, en el Museo Perlotti, en el XXXVII Salón Municipal Manuel Belgrano, en Casa FOA, Esculturas en el Jardín, Silos de Dorrego, Casa FOA, y para el Tercer Premio Adquisición, del Salón Municipal Manuel Belgrano. En 1994 expuso su obra en salones, entre ellos, el XXXIX Salón Municipal Manuel Belgrano.
En el año 1995, expuso en muestras colectivas en ARTEBA, dentro del Espacio de las Esculturas, en la Women Beyond Borders, en la Muestra itinerante hasta el S XXI, en el XL Salón Municipal Manuel Belgrano, Esculturas en el Jardín, en el Museo Larreta, en Telecom en el Arte, en el Museo de las Telecomunicaciones, en Casa FOA, en Alfred Fellinger, en Galería Ática.
En 1996, expuso en Sala Cronopios, en el Centro Cultural Recoleta, en el Consulado Argentino en Colonia, en el Museo Metropolitano, en el Estudio Baudizzone-Lestard, Natan en el Arte, Esculturas en el Jardín V, en el Museo Larreta, en el Centro Cultural Recoleta, El Espíritu de la Colmena, en ARTEBA ,dentro del Espacio de las Esculturas, en el Primer Premio del Museo de Arte Moderno y en el Segundo Premio del Salón Nacional.
En 1997 expone en el Parque de las Naciones, en Córdoba, Esculturas en el Jardín VI, Badii y sus amigos, en la Fundación de Crédito Argentino, en el Salón de Esculturas de Santa Fe.
En el año 1999 expuso su obra en muestras colectivas y premios, Esculturas en el Jardín, en el Museo Larreta, participa en el Concurso de Esculturas Parque de la Memoria, en Jardinarte, Escobar, en la Galería Laura Haber, Palacio Alcorta, donde pasa a integrar el catálogo de la Colección de Cancillería Argentina, en Casa FOA, en ARTEBA, Esculturas en el Jardín, Villa Gainza Paz, Mar del Plata, y en el Premio Mención a la Creatividad del Fondo Nacional de las Artes.
En el año 2000, expone en 200X200X200, Centro Cultural Recoleta, en la Galería de la SADE, en Jardinarte, dentro del Jardín Botánico, en Esculturas en el Jardín, dentro del Museo Larreta y en ARTEBA con Galería de Cecilia Caballero en el Espacio de las Esculturas.
En el año 2001, expone en el Centro Cultural Borges, Autorretrato, Concurso para escultura Azucena Villaflor, del Premio Mención a la Creatividad del Fondo Nacional de las Artes, de ARTEBA, en el Espacio de Esculturas y en Diseño de Mesas, del Premio Trabucco de Escultura de la Academia Nacional de Bellas Artes, Esculturas en el Jardín, en el Museo Larreta, de Puro Diseño, en el Patio de Escultura como curadora y participante, y de Jardinarte, en el Museo de los Parques.
Entre 2002 y 2003 Lizaso participa de muestras colectivas y presenta trabajos especiales en ARTE BA con Galería Atica, en el Premio Banco Ciudad del Museo Nacional de Bellas Artes, y en Esculturas en el Jardín, en el Museo Larreta. También participa de “Abrimos las ventanas a… en ayuda solidaria a los inundados de Santa Fe”, con Las Camitas, en enayuda solidaria a hopitales.-
En 2004 expone en el Museo Castagnino, de Mar del Plata, del Premio Trabucco de Escultura de la Academia Nacional de Bellas Artes, de una subasta de obras de artistas invitados en el Museo Sivori, y de la Expotrastiendas, en el espacio de Esculturas, Greenpeace, del Centro Cultural Borges.
En 2005, expone Recados en el Centro Cultural Recoleta, en Estudio Abierto, invitada por el Gobierno de la Ciudad, en el Hotel de los Inmigrantes, Libro de Artistas, con Galería 1/1 Caja de Arte, Desarme, en el Museo Universitario de Cuyo, Mendoza, Expotrastiendas en el Patio de las Esculturas, Consuming ART, con Galería Alejandra Von Hartz Fine Arts, y se presenta en el Concurso Monumento Universidad San Andrés del Banco en beneficio a la Fundacion Favaloro en Expotrastiendas.
En 2006 Lizaso expone Galería del infinito, Esculturas Utilitarias, Desarme, en el Palais de Glace, Recados, en Santiago de Chile, por adquisicion Museo de la Universidad de Talca, Esculturas en el Paisaje, con Galería Teresa Nachman, y Bandera para la Bienal del Fin del Mundo (AAVRA).
En 2007, expone en la Bienal de Arte Geométrico, con Galeria Estudio de Arte, para el Premio Trabucco de Escultura de la Academia Nacional de Bellas Artes, y el Salón Nacional de Escultura del Palais de Glace.
Lizaso también expuso en Gachi Prieto Gallery, Registros contextuales, Blanco, en el Centro Cultural Borges en el Teatro Argentino de la Plata y en el M.A.T., Estilo Pilar, en el Hotel Sofitel, (2008),
Expuso Tigresculturas (2009), (2010), M.I.A. Miami, en Arteba, y El Viaje, en el Centro Cultural Recoleta, fotografías, con Gachi Prieto Gallery (2009), (2010), (2011), Sueño de una Noche de Verano, con Gachi Prieto Gallery (2010) en Matilde Bensignor, Los Acerados Del acero, en el Centro Cultural Recoleta, en Fundación Equidad, y en Centro Cultural Borges, Acero, en el Hotel Hilton, en Fundación Osde, El Espacio en Cuestión, en el Museo Larreta, y Esculturas en el Jardín xx, para el Premio Arnet a Cielo Abierto, por el cual recibió una mención de honor (2010)
Algunas de sus últimas exposiciones son “Sólo sé que no se nada” y “Expotrastiendas” Gachi Prieto Gallery (2011) Palacio Duhau- abierta desde diciembre de 2012 hasta marzo 2013, en Galería EUC, Ana Lizaso y Luis Wells, Desvíos y desmesuras, en Fundación OSDE, (2013), y Latido 11- home hotel- abierta de julio a septiembre de 2014, en el Holz Palacio Bellini (2014).